Motion picture/ Film/Movie电影是什么-媒体理论

Film电影——也称为电影、电影、电影、图片、影剧或电影(moviemotion picturemoving picturepicturephotoplay or (slang) flick )——是一种视觉艺术作品,通过使用来模拟体验并以其他方式传达想法、故事、感知、感受、美感或氛围的移动图像。 这些图像通常伴随着声音,很少伴随着其他感官刺激。“电影”一词是电影摄影的缩写,通常用来指电影制作和电影工业,以及由此产生的艺术形式。

影片的录制和传输Recording and transmission of the film

电影的动态图像是通过使用电影摄影机拍摄实际场景、使用传统动画技术拍摄图画或微缩模型、通过CGI和计算机动画、或者通过这些技术的部分或全部的组合来创建的, 和其他视觉效果。

在引入数字制作之前,一系列静态图像被记录在一条化学敏化赛璐珞(照相胶片库存)上,通常以每秒 24 帧的速度记录。 图像通过电影放映机以与记录相同的速率传输,日内瓦驱动器确保每一帧在其短暂的投影时间内保持静止。 旋转快门会导致黑暗的频闪间隔,但观看者不会注意到由于闪烁融合而造成的中断。 屏幕上的明显运动是由于视觉无法高速辨别单个图像,因此图像的印象与黑暗间隔混合在一起,从而产生了一幅运动图像的错觉。 类似的光学配乐(口语、音乐和其他声音的图形记录)沿着电影专门为其保留的部分运行,并且没有放映。

当代电影通常在制作、发行和放映的整个过程中都是完全数字化的。

词源和替代术语Etymology and alternative terms

“胶片”一词最初是指赛璐珞带上的光化学乳剂薄层,它曾经是记录和显示电影的实际介质。

对于单个电影还存在许多其他术语,包括“图片”、“图片放映”、“移动图片”、“照片播放”和“电影”。 在美国最常用的术语是“电影”,而在欧洲则首选“电影”。 古老的术语包括“动画图片”和“动画摄影”。

“Flick”通常是一个俚语,首次记录于 1926 年。由于早期电影的闪烁外观,它起源于动词 flicker。

一般来说,该领域的常用术语包括“大屏幕”、“银幕”、“电影”和“电影院”; 最后一个通常作为一个总体术语在学术文本和评论文章中使用。 早年有时会用“片”这个词来代替“屏”。

历史History

前体Precursors

电影艺术借鉴了口述故事、文学、戏剧和视觉艺术等领域的一些早期传统。 已经以移动或投影图像为特色的艺术和娱乐形式包括:

阴影摄影术,可能从史前时代就开始使用
暗箱,一种自然现象,自史前时代起就可能被用作艺术辅助手段
皮影戏,可能起源于公元前 200 年左右的中亚、印度、印度尼西亚或中国
魔灯,于1650年代开发。 多媒体幻境表明,魔灯从 1790 年开始流行到 19 世纪上半叶,具有机械幻灯片、背投、移动投影仪、叠加、溶解视图、现场演员、烟雾(有时用于投影图像)、 气味、声音甚至电击。

赛璐珞之前Before celluloid

频闪动画原理于 1833 年随频闪盘(更广为人知的名称为 phénakisticope)引入,随后应用于西洋镜(自 1866 年起)、翻页书(自 1868 年起)和动作镜(自 1877 年起),然后才成为 电影摄影的基本原理。

Stampfer 教授的 Stroboscopische Scheibe No. X 的动画 GIF (Trentsensky & Vieweg 1833)

早期基于 phénakisticope 的动画投影仪的实验至少早在 1843 年就进行了,并于 1847 年公开放映。Jules Duboscq 从大约 1997 年开始在法国销售 phénakisticope 投影系统。 1853 年至 1890 年代。

摄影术于 1839 年问世,但最初的摄影乳剂需要长时间曝光,以至于记录移动物体似乎是不可能的。 至少早在 1844 年,人们就创作了一系列以不同姿势拍摄主题的摄影作品,以暗示运动序列或记录一系列不同的视角。 立体摄影的出现,以及 1840 年代的早期实验和自 1850 年代初以来的商业成功,引起了人们对通过添加捕捉色彩和运动的手段来完善摄影介质的兴趣。 1849 年,约瑟夫·普拉托 (Joseph Plateau) 发表了将他发明的幻影镜与立体镜结合起来的想法,正如立体镜发明者查尔斯·惠斯通 (Charles Wheatstone) 向他建议的那样,并使用不同位置的石膏雕塑照片在组合设备中进行动画处理。 1852 年,朱尔斯·杜博斯克 (Jules Duboscq) 为“Stéréscope-fantascope, ou Bïscope”这样的仪器申请了专利,但他只在市场上进行了短暂的推广,并未取得成功。 根特大学的 Plateau 收藏中有一张带有机器立体照片的 Bïscope 光盘,但尚未发现任何仪器或其他光盘。

迈布里奇《运动中的马》系列(1878-1879)中经过修饰的莎莉·加纳卡片的动画

到 1850 年代末,第一个即时摄影的例子出现,并为动态摄影很快成为可能带来了希望,但它花了几十年的时间才成功地与实时记录一系列连续图像的方法结合起来。 1878 年,埃德沃德·迈布里奇 (Eadweard Muybridge) 最终成功地用沿着赛道排成一排的相机拍摄了一系列奔跑中的马的照片,并将结果作为《运动中的马》发布在内阁卡片上。 迈布里奇以及艾蒂安-儒勒·马雷、奥托马尔·安舒茨和其他许多人将创作更多的计时摄影研究。 迈布里奇将他的数十个计时摄影系列的轮廓描绘在玻璃圆盘上,并在 1880 年至 1895 年间的演讲中用他的动物实践镜将它们投影出来。

安舒茨于 1881 年拍摄了他的第一张即时照片。他于 1882 年开发了一种便携式相机,快门速度可短至 1/1000 秒。他的照片质量普遍被认为比迈布里奇和麦布里奇的计时摄影作品要高得多。 艾蒂安-朱尔斯·马雷。1886 年,Anschütz 开发了电测速镜,这是一种早期设备,可在 1.5 米宽的旋转轮上显示短片循环,其中包含 24 张玻璃板照片,手动旋转轮的速度约为每秒 30 帧。 从 1887 年到至少 1894 年,不同的版本在许多国际展览、交易会、会议和游乐场上展出。从 1891 年开始,柏林的西门子和哈尔斯克制造了大约 152 台投币式窥视盒电测速仪模型,并在全球范围内销售。 1892 年夏天,近 34,000 人付费在柏林展览公园观看了它。其他人在伦敦或 1893 年芝加哥世界博览会上观看了它。1894 年 11 月 25 日,Anschütz 在柏林推出了带有 6×8 米屏幕的电速镜投影仪。 1895 年 2 月 22 日至 3 月 30 日期间,共有约 7,000 名付费观众前来柏林老国会大厦 300 个座位的大厅观看长达 1.5 小时、约 40 个场景的演出。

Anschütz 电测速仪
《美国科学》,1889 年 11 月 16 日,第 14 页。 303

Émile Reynaud 在他 1877 年的专利申请中已经提到了投影 Praxinscope 图像的可能性。 1880 年 6 月 4 日,他在法国摄影协会展示了一款 praxinscope 投影设备,但在 1882 年之前并未将他的 praxinscope 投影设备推向市场。随后,他将该设备进一步发展为 Théâtre Optique,可以投影具有不同背景的较长序列,并于 1888 年获得专利 他为这台机器制作了几部电影,在数百块明胶板上绘制图像,这些明胶板安装在纸板框架中并固定在布带上。 从 1892 年 10 月 28 日到 1900 年 3 月,雷诺在巴黎格雷万蜡像馆为总共超过 500,000 名参观者举办了 12,800 多场演出。

第一部电影First motion pictures

到 1880 年代末,赛璐珞胶片的引入和电影摄影机的发明,仅使用一个镜头即可拍摄一系列快速图像,从而可以捕捉动作并将其存储在单个紧凑的胶片卷上 。

Pauvre Pierrot (1892) 的片段

电影最初是通过“西洋镜”设备(例如电速镜、电影放映机和 Mutscope)一次向一个人公开放映。 不久之后,放映商设法在大屏幕上为剧院观众放映电影。

《朗德海花园场景》中的一帧,这是世界上现存最早的使用电影摄影机拍摄的电影,由路易斯·勒·普林斯 (Louis Le Prince) 拍摄,1888 年

1895 年,美国人伍德维尔·莱瑟姆 (Woodville Latham) 和他的儿子们使用他们的 Eidolscope 公司、斯克拉丹诺夫斯基兄弟 (Skladanowsky brothers) 以及可以说更为知名的法国兄弟奥古斯特·卢米埃 (Auguste Lumière) 和路易斯·卢米埃 (Louis Lumière) 制作的影片,

首次公开放映收费电影。 拥有十部自己的作品。 私人放映比其他影片提前了几个月,莱瑟姆的放映稍早于其他影片。

早期进化Early evolution

最早的电影只是一个静态镜头,显示事件或动作,没有剪辑或其他电影技术。 典型的电影展示了员工离开工厂大门、人们在街上行走以及电车行驶在城市主街道上时从车头看到的景色。 相传,当一部电影中出现一辆机车高速接近观众时,观众惊慌失措,纷纷逃离影院。 20世纪初,电影开始将多个场景串联起来讲述一个故事。 (首先放置多个镜头或场景的电影制片人发现,当一个镜头接连另一个镜头时,该行为在观众的脑海中建立了各个镜头中的内容之间的关系。正是这种关系使所有电影故事讲述成为可能。

乔治·梅里爱的《月球之旅》(1902 年)中的一个著名镜头,一部早期的叙事电影,也是一部早期的科幻电影。

一个简单的例子,如果一个人看着窗外,无论下一个镜头显示什么,它都将被视为该人所看到的视图。)每个场景都是一个单一的固定镜头,动作发生在它之前。 这些场景后来被分成从不同距离和角度拍摄的多个镜头。 其他技术(例如摄像机移动)被开发为用电影讲述故事的有效方法。 在 20 年代末有声电影变得商业化之前,电影还是一种纯粹的视觉艺术,但这些创新的无声电影已经牢牢抓住了公众的想象力。 剧院老板并没有只让观众留下投影仪的噪音作为伴奏,而是聘请了钢琴家或风琴师,或者在大型城市剧院中,聘请了一支完整的管弦乐队来演奏适合任何特定时刻电影情绪的音乐。 到 1920 年代初期,大多数电影都附带了一份准备好的乐谱清单,用于此目的,并且为主要制作创作了完整的电影乐谱。

欧洲电影的崛起因第一次世界大战的爆发而中断,而美国电影业则随着好莱坞的崛起而蓬勃发展,最突出的代表是 D.W.格里菲斯的《一个国家的诞生》(1915)和 不宽容(1916)。

然而,在20世纪20年代,爱森斯坦、F. W. Murnau和弗里茨·朗等欧洲电影制片人在很多方面受到格里菲斯战时电影飞速进步的启发,加上查尔斯·卓别林、巴斯特·基顿等人的贡献,很快赶上了美国电影的发展。 电影制作并继续进一步推动这一媒介的发展。

查理·卓别林无声电影《邦德》(1918)中的片段

声音Sound

20 世纪 20 年代,电子录音技术的发展使得将语音、音乐和声音效果与银幕上的动作同步的配乐结合起来成为现实。 由此产生的有声电影最初与通常的无声“移动”电影不同。 图片”或“电影”,称为“有声图片”或“有声电影”。 他们发动的革命是迅速的。 到 1930 年,无声电影在美国几乎已经绝迹,并已被称为“旧媒体”。

电影声音的演变始于将运动图像与现有留声机声音技术相结合的想法。 早期的有声电影系统,例如托马斯·爱迪生的电影放映机和华纳兄弟使用的 Vitaphone,为电影中的同步声音奠定了基础。 与贝尔电话公司和西部电气公司共同生产的 Vitaphone 系统最初因昂贵的设备成本而面临阻力,但电影中的声音随着《唐璜》(1926 年)和《爵士歌手》(1927 年)等电影的出现而获得认可。

美国电影制片厂采用 Tobis-Klangfilm 和 Tri-Ergon 系统进行标准化。 这项新技术使电影具有更大的流动性,催生了更复杂和史诗般的电影,如《金刚》(1933)。

随着 20 世纪 40 年代和 1950 年代电视威胁的出现,电影业需要创新来吸引观众。 就声音技术而言,这意味着环绕声和更复杂的音频系统的发展,例如 Cinerama 的七声道系统。 然而,这些进步需要大量人员来操作设备并维持影院的声音体验

1966 年,杜比实验室推出了杜比 A 降噪系统,该系统成为录音行业的标准,消除了早期标准化工作中产生的嘶嘶声。 杜比立体声 (Dolby Stereo) 是一种革命性的环绕声系统,它紧随其后,使电影设计师在设计影院时能够考虑到声学效果。 这项创新使较小场馆的观众能够享受到与较大城市剧院相当的音频体验。

如今,电影声音的未来仍然不确定,人工智能、重制音频和个人观看体验的潜在影响正在塑造其发展。 然而,很明显,电影声音的演变以不断创新和为观众创造更加身临其境和引人入胜的体验的愿望为标志。

颜色Color
电影中的一项重大技术进步是引入了“自然色彩”,即通过摄影直接从大自然中捕捉色彩,而不是使用手工着色或模板着色等技术手动添加到黑白照片中。 早期的色彩处理常常产生看起来与“自然”相去甚远的颜色。 与无声电影到有声电影的快速转变不同,彩色电影对黑白电影的取代是渐进的。

关键的创新是三带版本的特艺彩色工艺,该工艺于 1932 年首次应用于动画。该工艺后来应用于真人短片、故事片中的特定序列,最后应用于整部故事片,《贝基》 夏普,1935 年。尽管这一过程成本高昂,但公众的积极反应(票房收入的增加证明了这一点)通常证明了额外成本的合理性。 因此,彩色电影的数量逐年增加。

20世纪50年代:电视的影响力日益增强

20 世纪 50 年代初,黑白电视的普及开始严重抑制北美剧院的上座率。 为了吸引观众重返影院,安装了更大的屏幕,引入了宽银幕处理、偏振 3D 投影和立体声,并且更多的电影采用彩色制作,这很快就成为规则而不是例外。 直到 20 世纪 60 年代中期,一些重要的主流好莱坞电影仍在以黑白形式制作,但它们标志着一个时代的结束。 彩色电视接收器自 20 世纪 50 年代中期以来就在美国出现,但起初它们非常昂贵,而且很少有彩色广播。 20世纪60年代,价格逐渐下降,彩色广播变得普遍,销售蓬勃发展。 公众对色彩的支持是显而易见的。 在二十世纪中期最后一批黑白电影上映后,所有好莱坞制片厂的作品都以彩色拍摄,只有在彼得·博格丹诺维奇和马丁·斯科塞斯等“明星”电影制片人的坚持下,通常才会有例外。

20世纪60年代及以后

20 世纪 60 年代制片厂制度衰落后的几十年里,电影的制作和风格发生了变化。 各种新浪潮运动(包括法国新浪潮、德国新电影浪潮、印度新浪潮、日本新浪潮、好莱坞新浪潮和埃及新浪潮)以及受过电影学校教育的独立电影制片人的崛起促成了媒介所经历的变化 在20世纪下半叶。 数字技术一直是整个 20 世纪 90 年代到 2000 年代变革的驱动力。 数字 3D 投影在很大程度上取代了早期容易出现问题的 3D 电影系统,并在 2010 年代初期开始流行。

电影理论

“电影理论”旨在发展适用于电影艺术研究的简洁而系统的概念。 电影作为一种艺术形式的概念始于 1911 年里乔托·卡努多 (Ricciotto Canudo) 的《第六艺术的诞生》。 莫斯科电影学院是世界上最古老的电影学院,成立于1919年,旨在教授和研究电影理论。 由鲁道夫·阿恩海姆、贝拉·巴拉兹和齐格弗里德·克拉考尔领导的形式主义电影理论强调电影与现实的不同,因此可以被认为是一种有效的美术。 安德烈·巴赞反对这一理论,认为电影的艺术本质在于其机械地再现现实的能力,而不是其与现实的差异,这催生了现实主义理论。 最近由雅克·拉康的精神分析和费迪南·德·索绪尔的符号学等推动的分析催生了精神分析电影理论、结构主义电影理论、女权主义电影理论等。 另一方面,来自分析哲学传统的批评家受维特根斯坦的影响,试图澄清理论研究中使用的误解,并对电影的词汇及其与生活形式的联系进行分析。

电影理论Film theory

“电影理论”旨在发展适用于电影艺术研究的简洁而系统的概念。

这款 16 毫米弹簧缠绕 Bolex“H16”反光相机是电影学校使用的流行入门级相机。

电影作为一种艺术形式的概念始于 1911 年里乔托·卡努多 (Ricciotto Canudo) 的《第六艺术的诞生》。 莫斯科电影学院是世界上最古老的电影学院,成立于1919年,旨在教授和研究电影理论。 由鲁道夫·阿恩海姆、贝拉·巴拉兹和齐格弗里德·克拉考尔领导的形式主义电影理论强调电影与现实的不同,因此可以被认为是一种有效的美术。 安德烈·巴赞反对这一理论,认为电影的艺术本质在于其机械地再现现实的能力,而不是其与现实的差异,这催生了现实主义理论。 最近由雅克·拉康的精神分析和费迪南·德·索绪尔的符号学等推动的分析催生了精神分析电影理论、结构主义电影理论、女权主义电影理论等。 另一方面,来自分析哲学传统的批评家受维特根斯坦的影响,试图澄清理论研究中使用的误解,并对电影的词汇及其与生活形式的联系进行分析。

语言Language

电影被认为有自己的语言。 詹姆斯·莫纳科(James Monaco)写了一篇关于电影理论的经典著作,题为“如何阅读电影”,解决了这个问题。 导演英格玛·伯格曼有句名言:“对我来说,安德烈·塔可夫斯基是最伟大的导演,他发明了一种新的语言,忠于电影的本质,因为它捕捉到了生活的倒影,生活的梦想。” 该语言的一个示例是一个说话演员的左侧侧面的一系列来回图像,然后是另一个说话演员的右侧侧面,然后重复此操作,这是观众可以理解的表示对话的语言。 这描述了电影的另一种理论,即 180 度规则,作为一种视觉叙事装置,能够通过使用视觉构图和剪辑将观众置于心理呈现的背景中。 “好莱坞风格”包含了这种叙事理论,因为在电影古典时代,加利福尼亚州好莱坞的电影制片厂大量采用了这一规则。 电影语言的另一个例子是,有一个镜头放大演员的额头,表情无声地倒影,然后切到一个与第一个演员隐约相似的年轻演员的镜头,表明第一个人正在回忆过去的自己 ,导致时间过渡的合成编辑。

蒙太奇Montage

蒙太奇是一种电影剪辑技术,通过选择、编辑和组合不同的电影片段来创建电影中的新部分或序列。 这种技术可用于传达叙事或通过并置不同的镜头来创造情感或智力效果,通常是为了浓缩时间、空间或信息。 蒙太奇可以涉及闪回、平行动作或各种视觉元素的相互作用,以增强故事讲述或创造象征意义。

蒙太奇的概念出现于 20 年代,谢尔盖·爱森斯坦 (Sergei Eisenstein) 和列夫·库列绍夫 (Lev Kuleshov) 等苏联电影先驱发展了蒙太奇理论。 爱森斯坦的电影《战舰波将金号》(Battleship Potemkin,1925)是蒙太奇创新运用的一个典型例子,他在影片中采用了复杂的图像并置,对观众产生了发自内心的影响。

随着蒙太奇艺术的发展,电影制作人开始将音乐和视觉对位结合起来,为观众创造更具活力和吸引力的体验。 通过场景调度、剪辑和特效进行场景构建的发展导致了更复杂的技术,可以与歌剧和芭蕾舞中使用的技术相媲美。

20世纪50年代末和1960年代的法国新浪潮运动也采用了蒙太奇技术,让-吕克·戈达尔和弗朗索瓦·特吕弗等电影制作人利用蒙太奇创作出独特而创新的电影。 这种方法在当代电影中仍然具有影响力,导演们利用蒙太奇在电影中创造令人难忘的序列。

在当代电影中,蒙太奇在塑造叙事和创造情感共鸣方面继续发挥着重要作用。 电影制片人采用了传统的蒙太奇技术,以适应现代电影不断发展的美学和叙事风格。

  • 快速编辑和快节奏蒙太奇:随着数字编辑工具的出现,电影制作人现在可以创建快速而复杂的蒙太奇来快速传达信息或情感。 达伦·阿罗诺夫斯基的《梦之安魂曲》(2000 年)和埃德加·赖特的《僵尸肖恩》(2004 年)等电影采用快节奏的剪辑技术,为观众创造身临其境的强烈体验。
  • 音乐视频的影响:音乐视频对电影的影响导致了风格化蒙太奇序列的结合,通常伴随着流行音乐。 《银河护卫队》(2014 年)和《极盗车神》(2017 年)等电影使用蒙太奇来创造视觉上引人注目的序列,既有趣又具有叙事功能。
  • 运动和训练蒙太奇:运动和训练蒙太奇已成为现代电影的主要内容,通常用于浓缩时间并展示角色的成长或发展。 这方面的例子可以在《洛基》(1976 年)、《空手道小子》(1984 年)和《百万美元宝贝》(2004 年)等电影中找到。
  • 交叉剪辑和平行动作:当代电影制作人经常使用蒙太奇,通过平行故事情节之间的交叉剪辑来制造紧张和悬念。 克里斯托弗·诺兰的《盗梦空间》(2010 年)和《敦刻尔克》(2017 年)采用复杂的交叉技术来营造叙事动力并提高观众的情感参与度。
  • 主题蒙太奇:蒙太奇也可用于传达电影中的主题元素或主题。 韦斯·安德森的《皇家特南鲍姆一家》(2001)采用蒙太奇创造了一种视觉语言,反映了电影的家庭、怀旧和失落的主题。

随着电影媒介的不断发展,蒙太奇仍然是视觉叙事的一个不可或缺的方面,电影制作人正在寻找新的创新方法来运用这种强大的技术。

电影评论Film criticism

如果一部电影能够照亮与我们共享这个星球的其他人的生活,不仅向我们展示他们有多么不同,而且即使如此,他们也有同样的梦想和痛苦,那么它就值得被称为伟大的电影。

— 罗杰·艾伯特 (1986)

电影评论是对电影的分析和评价。 总的来说,这些作品可以分为两类:电影学者的学术批评和经常出现在报纸和其他媒体上的新闻电影批评。 为报纸、杂志和广播媒体工作的影评人主要评论新上映的电影。 通常他们只会看一次特定的电影,并且只有一两天的时间来表达他们的意见。 尽管如此,影评人对电影的观众反应和观看人数有着重要影响,尤其是某些类型的电影。 大众营销的动作片、恐怖片和喜剧片往往不会受到影评人对电影整体评价的太大影响。 大多数电影评论中占大多数的对电影的情节总结和描述以及对导演和编剧工作的评价仍然可以对人们是否决定看一部电影产生重要影响。 对于大多数戏剧和艺术电影等知名电影来说,评论的影响力非常重要。 主要报纸和杂志上主要评论家的差评往往会降低观众的兴趣和出席率。

评论家对某部电影票房表现的影响是一个有争议的问题。 一些观察家声称,2000 年代的电影营销如此激烈、协调良好且资金充足,以至于评论家无法阻止一部写得或拍得不好的大片获得市场成功。 然而,一些大力宣传但受到严厉批评的电影却遭遇灾难性失败,以及受到评论界好评的独立电影却意外获得成功,这表明极端的批评反应可能会产生相当大的影响。 其他观察家指出,积极的电影评论可以激发人们对鲜为人知的电影的兴趣。 相反,也有一些电影公司对这些影片缺乏信心,以至于拒绝给影评人提前观看,以避免影片受到广泛批评。 然而,这通常会适得其反,因为评论家对这种策略很明智,并警告公众这部电影可能不值得一看,因此电影往往表现不佳。 记者电影评论家有时被称为电影评论家。 对电影采取更学术方法的评论家,通过在电影期刊上发表文章和使用电影理论或电影研究方法撰写有关电影的书籍,研究电影和拍摄技术如何运作,以及它们对人们的影响。 他们的文章不是在报纸或电视上发表,而是在学术期刊或高档杂志上发表。 他们也往往隶属于学院或大学,担任教授或讲师。

电影工业Industry

电影的制作和放映几乎一发明就成为利润来源。 在看到他们的新发明及其产品在祖国法国取得如此成功后,卢米埃尔夫妇迅速开始巡回欧洲大陆,向皇室私人和向大众公开展示第一批电影。

柏林附近的巴伯尔斯贝格制片厂成立于 1912 年,是世界上第一家大型电影制片厂,也是好莱坞的前身。 它仍然每年制作全球大片。

在每个国家,他们通常会在目录中添加新的当地场景,并很快找到欧洲各国的当地企业家购买他们的设备并进行商业摄影、出口、进口和放映其他产品。 1898 年的《奥伯阿默高受难剧》是有史以来第一部商业电影。 很快其他电影也随之出现,电影成为一个独立的行业,令歌舞杂耍世界黯然失色。 专门为制作和发行电影而成立的专门剧院和公司,而电影演员则成为大名人,并因其表演而收取巨额费用。 1917 年,查理·卓别林签订了一份年薪为 100 万美元的合同。 从 1931 年到 1956 年,电影也是电视节目唯一的图像存储和回放系统,直到录像机的出现。

在美国,大部分电影业都集中在加利福尼亚州好莱坞。 其他区域中心存在于世界许多地方,例如以孟买为中心的宝莱坞,印度电影业的印地语电影院,其生产的电影数量是世界上最多的。 尽管制作电影所涉及的费用导致电影制作集中在电影制片厂的赞助下,但经济实惠的电影制作设备的最新进展使独立电影制作得以蓬勃发展。

由于电影制作成本高昂且风险巨大,利润是该行业的关键力量; 许多电影的成本都严重超支,凯文·科斯特纳的《水世界》就是一个例子。 然而,许多电影制片人努力创作具有持久社会意义的作品。 奥斯卡金像奖(也称为“奥斯卡”)是美国最著名的电影奖项,每年根据电影的艺术优点给予认可。 代替讲座和文本或作为讲座和文本的补充,制作教育和教学电影也有很大的产业。 由于依赖电影院上映的大片,该行业的收入有时会波动。 另类家庭娱乐的兴起引发了人们对电影业未来的质疑,好莱坞的就业变得不那么可靠,尤其是中低预算电影。

相关领域Associated fields

衍生的学术研究领域既可以与电影制作相互作用,也可以独立于电影制作而发展,例如电影理论和分析。 衍生或依赖于电影存在的学术研究领域已被创建,例如电影批评、电影史、独裁政府中的电影宣传部门或潜意识影响的心理学(例如,放映期间闪烁的汽水罐) )。 这些领域还可以创建派生领域,例如报纸或电视指南中的电影评论部分。 子行业可以从电影中衍生出来,例如爆米花制造商和电影相关玩具(例如星球大战人物)。 现有行业的子行业可能专门涉及电影,例如电影中的产品植入和其他广告。

术语Terminology

英式英语和美式英语用于描述电影的术语差异很大。 在英国使用中,媒体的名称是“电影”。 “电影”这个词被理解但很少使用。 此外,“the pictures”(复数)经常被用来指代电影放映的地方,而在美式英语中,这可能被称为“the movie”,但它已经过时了。 在其他国家,放映电影的地方可能被称为电影院或电影院。 相比之下,在美国,“电影”是主要形式。 尽管“电影”和“电影”这两个词有时可以互换使用,但在考虑艺术、理论或技术方面时更常用“电影”。 “电影”一词更多地指娱乐或商业方面,例如约会时去哪里度过愉快的夜晚。 例如,一本名为“如何理解电影”的书可能是关于电影的美学或理论,而一本名为“让我们去看电影”的书可能是关于娱乐电影和大片的历史。

进一步的术语用于区分电影工业中使用的各种形式和媒体。 “电影”和“移动图片”是专门用于戏剧放映的电影和电影作品的常用术语,例如星球大战。 “DVD”和“录像带”是可以再现光化学胶片的视频格式。 基于此的复制称为“转移”。 戏剧电影作为一个产业出现后,电视产业开始使用录像带作为记录介质。 几十年来,磁带只是一种可以记录或传输运动图像的模拟介质。 “胶片”和“拍摄”分别指以化学方式记录视觉图像和记录行为的光化学介质。 然而,用其他视觉媒体(例如用数码相机)拍摄图像的行为仍然被称为“拍摄”,并且由此产生的作品通常被称为“电影”,与“电影”可互换,尽管不是用胶片拍摄的。 “无声电影”不一定是完全无声的,而是指没有可听对话的电影和电影,包括那些有音乐伴奏的电影。 “有声电影”一词指的是最早的有声电影,其录制的可听对话可与电影一起播放,无论是否有音乐伴奏。 “Cinema”要么广泛地涵盖电影和电影,要么大致与电影和戏剧展览同义,并且在指代艺术类别时两者都大写。 “银幕”指的是用于放映电影的投影屏幕,引申开来,也被用作整个电影工业的转喻。

“宽屏”是指与早期历史长宽比相比,画面中更大的宽度与高度。 “长片”或“故事片”是传统的全片长度,通常为 60 分钟或更长,并且可以在售票放映中独立存在,无需其他电影。 “短片”是指长度不如长片的电影,通常与其他短片一起放映,或者在长片之前放映。 “独立”是指在传统电影行业之外制作的电影。

在美国,人们谈论的是在公共或私人“剧院”的屏幕上“放映”或“投影”电影或视频。 在英式英语中,“电影放映”发生在电影院(而不是“剧院”,它是完全不同的媒介和地点)。 电影院通常是指专门用于放映电影的场所,屏幕固定在墙上,而剧院通常是指在讲台或其他类型的舞台上进行现场、非录制动作或其组合的地方, 包括露天剧场。 剧院仍然可以在其中放映电影,尽管剧院将进行改造。 当提到一项活动时,人们可能会提出“going to the movie”,或者有时在英式英语中提出“to the pictures”,而美国表达通常是“going to the movie”。 电影院通常使用电影放映机或最近使用的数字放映机使用前投影屏幕工艺来放映大众市场的电影。 但是,当电影院拥有足够的投影质量或根据需要时,也可以通过家庭视频传输(包括蓝光光盘、DVD 和录像带)播放院线电影,例如仅以传输状态存在的电影,这可能是由于 电影最初存在的胶片母带和拷贝的丢失或损坏。 由于数字电影制作和发行的出现,实体电影可能会完全消失。 “双片”是放映两部独立销售的独立故事片。 “观看”是观看电影。 “销售”和“票房”是指在剧院出售的门票,或者更当前的情况是指为个人放映而出售的权利。 “发行”是指电影的发行和通常同时放映。 “预览”是在主要发布之前进行的放映。

任何电影都可能有“续集”,描述电影中事件之后的事件。 《弗兰肯斯坦的新娘》就是一个早期的例子。 当具有相同角色、故事情节或主题主题的电影多于一部时,这些电影就成为一个“系列”,例如詹姆斯·邦德系列。 而且,通常存在于特定故事时间线之外的电影并不排除它成为系列的一部分。 描述时间线中较早发生的事件与另一部电影中发生的事件但在该电影之后发行的电影有时被称为“前传”,例如《布奇与圣丹斯:早期》。

“片尾字幕”或“片尾字幕”是一份向参与电影制作的人员提供的名单。 20 世纪 70 年代之前的电影通常以片尾字幕开头,通常只有片名卡,上面写着“结束”或类似的内容,而这些内容通常取决于制作的语言。 从那时起,电影的片尾字幕通常出现在大多数电影的结尾。 然而,带有片尾字幕的电影通常会在电影开头或开头附近重复一些片尾字幕,因此会出现两次,例如该电影的表演主角,而不太常见的是,一些出现在开头附近或开头的电影只出现在那里,而不出现在结尾处。 最终,这种情况经常发生在导演的功劳上。 出现在电影开头或开头附近的片尾字幕通常称为“片名”或“开头片名”。 片尾字幕后场景是片尾字幕结束后显示的场景。 《费里斯·布勒的休息日》有一个片尾场景,费里斯告诉观众电影结束了,他们应该回家了。

电影的“演员阵容”是指在电影中出现或“明星”的男女演员的集合。 明星是指演员,通常是受欢迎的演员,并且在许多情况下是在电影中扮演中心角色的名人。 有时,这个词也可以用来指代其他剧组成员的名声,例如导演或其他人物,例如马丁·斯科塞斯。 “工作人员”通常被解释为在演员参与之外参与电影实体构建的人员,可能包括导演、电影剪辑师、摄影师、灯光师、灯光师、布景师、道具师和服装设计师。 一个人既可以是电影演员也可以是工作人员,例如导演并主演了《拿钱就跑》的伍迪·艾伦。

“电影爱好者”、“电影爱好者”或“电影爱好者”是指喜欢或经常观看电影和电影的人,其中任何一个(尽管更常见的是后者)也可以将自己视为电影和电影的学生 或电影制作过程。 对电影、电影理论和电影批评的浓厚兴趣被称为迷影癖。 电影爱好者被称为“cinephile”或“cineaste”。

预览Preview

预演是指在电影公开首映之前向特定观众放映电影,通常是出于企业宣传的目的。 预览有时被用来判断观众的反应,如果出乎意料地负面,可能会导致根据观众的反应重新剪辑甚至重新拍摄某些部分。 1982 年的《第一滴血》就是在试映失败后进行修改的一个例子。 在测试观众对影片结尾主角约翰·兰博(越战老兵)的死亡反应非常负面后,公司编写并重新拍摄了一个角色幸存的新结局。

预告片和预告片Trailer and teaser

预告片或预览是 1 到 3 个月后将在电影院放映的电影的广告。 回到电影院的早期,剧院只有一两个屏幕,只播放要在那里放映的电影的某些预告片。 后来,当影院增加了更多的屏幕或建造了拥有大量屏幕的新影院时,即使他们不打算在该影院播放该电影,也会播放所有不同的预告片。 电影制片厂意识到,放映的预告片越多(即使它不会在特定的剧院放映),就会有更多的顾客在电影上映时前往其他剧院观看电影。 “预告片”一词源于它们最初在电影节目的结尾处放映。 这种做法并没有持续多久,因为顾客往往在电影结束后离开剧院,但这个名字却一直沿用至今。 现在,预告片会在电影(或双故事片节目中的“A 电影”)开始之前播放。 电影预告片在 DVD 和蓝光光盘以及互联网和移动设备上也很常见。 预告片的制作是为了让观众有吸引力且有趣。 因此,在互联网时代,观众经常会寻找预告片来观看。 在 2008 年每年在线观看的百亿视频中,电影预告片排名第三,仅次于新闻和用户创建的视频。预告片是一种较短的预览或广告,仅持续 10 到 30 秒。 预告片用于让顾客对未来六到十二个月内上映的电影感到兴奋。 预告片甚至可以在电影制作完成之前制作。

电影在文化中的作用The role of film in culture

电影是特定文化创造的文化产物,促进跨文化对话。 它被认为是一种提供娱乐和历史价值的重要艺术形式,通常以视觉方式记录一段时间。 该媒体的视觉基础赋予其通用的交流能力,通常通过使用配音或字幕将对话翻译成其他语言来进一步扩展。 只要看到电影中的某个地点,就会与该地点更高的旅游业联系起来,这表明了媒体的暗示性有多么强大。

教育宣传Education and propaganda

电影被用于一系列目标,包括教育和宣传,因为它能够有效地进行跨文化对话。 当目的主要是教育时,电影被称为“教育电影”。 例如学术讲座和实验的录音,或者根据经典小说改编的电影。 电影可能全部或部分是宣传性的,例如莱妮·里芬斯塔尔在纳粹德国拍摄的电影、二战期间美国战争电影的预告片,或者谢尔盖·爱森斯坦在斯大林时期拍摄的艺术电影。 它们也可能是政治抗议的作品,就像安杰伊·瓦伊达的电影,或者更微妙的是安德烈·塔可夫斯基的电影。 同一部电影可能被一些人认为是有教育意义的,而另一些人则认为是宣传,因为电影的分类可能是主观的。

制作Production

从本质上讲,制作电影的手段取决于电影制片人希望展示的内容以及展示内容的设备:西洋镜只需要一张纸上的一系列图像。 因此,电影制作只需一个人携带摄影机(甚至无需摄影机,如斯坦·布拉哈奇 1963 年的电影《蛾光》),或数千名演员、临时演员和工作人员来拍摄一部真人长片。 史诗。 几乎任何电影的必要步骤都可以归结为构思、策划、执行、修改和发行。 生产涉及的越多,每个步骤就变得越重要。 在好莱坞风格电影的典型制作周期中,这些主要阶段被定义为开发、前期制作、制作、后期制作和发行。

这个生产周期通常需要三年。 第一年主要用于开发。 第二年包括预制作和制作。 第三年,后期制作和发行。 生产规模越大,需要的资源就越多,融资就越重要; 大多数故事片是创作者(例如电影导演、摄影师、编剧)角度的艺术作品,也是制作公司的营利性商业实体。

剧组人员Film crew

电影摄制组是由电影公司雇佣的一群人,在“制作”或“摄影”阶段受雇,目的是制作电影或电影。 工作人员与演员不同,演员是出现在镜头前或为电影中的角色配音的演员。 剧组与制作人员互动,但又有所不同,包括制片人、经理、公司代表、他们的助理,以及主要负责前期制作或后期制作阶段的人员,例如编剧和电影剪辑师。 制作人员和工作人员之间的沟通通常通过导演及其助理人员进行。 中大型剧组一般划分为多个部门,层级明确,部门间互动合作标准明确。 除了表演之外,剧组负责拍摄阶段的一切:道具和服装、拍摄、音响、电气(即灯光)、布景和制作特效。 餐饮服务商(在电影行业中称为“工艺服务”)通常不被视为剧组人员的一部分。

电影技术Cinematic techniques

胶片材料由透明赛璐珞、醋酸纤维或聚酯基材组成,涂有含有光敏化学物质的乳液。 硝酸纤维素是第一种用于录制电影的胶片基材,但由于其易燃性,最终被更安全的材料所取代。 尽管大多数大型商业电影仍然以 35 毫米的印刷品拍摄(并分发到影院),但胶片宽度和卷轴上图像的胶片格式有着丰富的历史。 最初的电影胶片是使用手摇相机和投影仪以不同的速度拍摄和放映的。 尽管每分钟 1000 帧(16*2/3帧/秒)通常被认为是标准的无声速度,研究表明大多数电影都是在 16 帧/秒到 23 帧/秒之间拍摄的,并从 18 帧/秒以上放映(通常卷轴包含关于每个场景应该多快的说明) 所示)。 当同步有声电影在 20 年代末推出时,需要音头具有恒定的速度。 选择每秒 24 帧是因为它是最慢(因此最便宜)的速度,可以提供足够的音质。 该标准是 1927 年华纳兄弟的《爵士歌手》及其 Vitaphone 系统制定的。 自 19 世纪末以来的改进包括摄像机的机械化——允许它们以一致的速度进行录制、安静的摄像机设计——允许在现场录制的声音无需大型“飞艇”来包围摄像机,这是更复杂的技术的发明。 胶片材料和镜头,允许导演在日益昏暗的条件下拍摄,同步声音的发展,允许声音以与其相应动作完全相同的速度记录。 配乐可以与电影拍摄分开录制,但对于真人电影来说,配乐的许多部分通常是同时录制的。

作为一种媒介,电影不仅限于电影,因为这项技术是作为摄影的基础而发展起来的。 它可用于以幻灯片的形式呈现连续的静态图像序列。 电影也被纳入多媒体演示中,并且通常作为主要历史文献具有重要意义。 然而,历史电影在保存和存储方面存在问题,电影行业正在探索多种替代方案。 大多数基于硝酸纤维素的薄膜已被复制到现代安全薄膜上。 一些工作室通过使用分离母版来保存彩色胶片:三张黑白底片,每张都通过红色、绿色或蓝色滤镜曝光(本质上是特艺彩色处理的相反过程)。 数字方法也被用来修复胶片,尽管它们持续的报废周期使它们(截至 2006 年)成为长期保存的糟糕选择。 腐烂胶片的胶片保存是电影历史学家和档案管理员以及有兴趣保存现有产品以供子孙后代使用(从而增加收入)的公司所关心的问题。 由于硝酸盐和单条彩色胶片的腐烂率较高,因此其保存通常更受关注; 如果处理和储存得当,基于安全的黑白胶片和在特艺彩色吸水印刷品上保存的彩色胶片往往会保存得更好。

近几十年来,一些电影是使用类似于电视制作中使用的模拟视频技术录制的。 现代数码摄像机和数码投影仪也正在普及。 这些方法受到一些电影制作人的青睐,特别是因为可以使用非线性编辑系统 (NLE) 评估和编辑数字电影拍摄的素材,而无需等待胶片材料进行处理。 这种迁移是渐进的,截至 2005 年,大多数主要电影仍然是用胶片拍摄的。

独立电影Independent

独立电影制作通常在好莱坞或其他主要制片厂系统之外进行。 独立电影(或独立电影)是指最初在没有大型电影制片厂融资或发行的情况下制作的电影。 创意、商业和技术原因都促进了 20 世纪末和 21 世纪初独立电影的发展。

卢米埃尔兄弟是最早的电影制片人之一

在商业方面,大预算制片厂电影的成本也导致演员和工作人员的选择保守。 好莱坞有一种联合融资的趋势(2000 年华纳兄弟发行的电影中有超过三分之二是合资影片,而 1987 年这一比例为 10%)。 一个充满希望的导演几乎永远不会有机会在大预算制片厂的电影中找到工作,除非他或她在电影或电视方面拥有丰富的行业经验。 此外,制片厂很少制作由未知演员主演的电影,尤其是主演。

在数字替代品出现之前,专业电影设备和库存的成本也是制作、导演或主演传统工作室电影的障碍。 但 1985 年消费类摄像机的出现,更重要的是 20 世纪 90 年代初高分辨率数字视频的出现,大大降低了电影制作的技术壁垒。 制作和后期制作成本均大幅降低; 在2000年代,用于后期制作的硬件和软件可以安装在基于商品的个人计算机中。 DVD、FireWire 连接以及各种专业和消费级视频编辑软件等技术使电影制作变得相对便宜。

自从数字视频DV技术推出以来,制作手段变得更加民主化。 电影制作人可以使用数码摄像机拍摄电影并编辑电影,创建和编辑声音和音乐,并在高端家用计算机上混合最终剪辑。 然而,虽然生产资料可能民主化,但融资、分配和营销仍然难以在传统体系之外完成。 大多数独立电影制片人依靠电影节来让他们的电影受到关注并出售以进行发行。 YouTube 和 Veoh 等互联网视频网站的出现进一步改变了电影制作格局,使独立电影制作人能够向公众展示他们的电影。

开放内容电影Open content film

开放内容电影很像独立电影,但它是通过开放合作制作的; 其源材料可根据许可证获得,该许可证比传统版权更宽松,允许其他方创作同人小说或衍生作品。 与独立电影制作一样,开源电影制作也在好莱坞或其他主要制片厂系统之外进行。例如,电影《气球》就是根据冷战期间的真实事件改编的。

粉丝电影Fan film

粉丝电影是受电影、电视节目、漫画书或类似来源启发的电影或视频,由粉丝而不是来源的版权所有者或创作者创作。 粉丝电影制片人传统上都是业余爱好者,但一些最著名的电影实际上是由专业电影制片人作为电影学校课程项目或示范影片制作的。 粉丝电影的长度差异很大,从不存在的电影的短假预告片到更罕见的全长电影。

电影发行Distribution

电影发行是向观众提供电影的过程。 这通常是专业电影发行商的任务,他们将确定电影的营销策略、放映或观看电影的媒体,并可能设定发行日期和其他事项。

Salah Zulfikar 和 Faten Hamama 出席 Bain Al-Atlal(《废墟之中》)首映式,1959 年,开罗

电影可以通过电影院(历史上电影发行的主要方式)或个人家庭观看的电视(包括 DVD 视频或蓝光光盘、视频点播、在线下载、 通过广播联合组织等方式提供的电视节目)。 发行电影的其他方式包括租赁或个人购买各种媒体和格式的电影,例如 VHS 磁带或 DVD,或者使用计算机进行互联网下载或流式传输。

动画片Animation

动画是一种单独制作电影的每一帧的技术,无论是作为计算机图形生成,还是通过拍摄绘制的图像,或者通过对模型单元反复进行微小的更改(参见粘土动画和定格动画),然后拍摄 使用特殊的动画相机拍摄的结果。 当帧串在一起并以每秒 16 帧或更多帧的速度观看所得胶片时,会产生连续运动的错觉(由于 phi 现象)。

用八张图片制作的马的动画图像。

尽管计算机动画的发展大大加快了这一过程,但制作这样的电影是非常劳动密集型和乏味的。 由于动画制作非常耗时且通常非常昂贵,因此大多数电视和电影动画都来自专业动画工作室。 然而,独立动画领域至少自 20 世纪 50 年代以来就已存在,动画由独立工作室(有时由一个人)制作。 一些独立动画制作人已经进入专业动画行业。

限定动画是在动画制作过程中利用“捷径”来增加动画产量、降低动画成本的一种方式。 这种方法由 UPA 首创,并由美国的汉娜-巴伯拉和日本的手冢治虫推广,随着动画片从电影院转移到电视,其他工作室也对其进行了改编。 尽管大多数动画工作室现在在制作中使用数字技术,但动画有一种依赖于电影的特定风格。 无摄像机动画因诺曼·麦克拉伦、莱恩·莱和斯坦·布拉哈奇等电影制作人而闻名,它直接在胶片上绘画,然后通过投影仪运行。


参考文献References

进一步阅读Further reading

  • Burton, Gideon O., and Randy Astle, jt. eds. (2007). “Mormons and Film”, entire special issue, B.Y.U. Studies (Brigham Young University), vol. 46 (2007), no. 2. 336 p, ill. ISSN 0007-0106.
  • Hickenlooper, George (1991). Reel [sic] Conversations: Candid Interviews with Film’s Foremost Directors and Critics, in series, Citadel Press Book[s]. New York: Carol Publishing Group. xii, 370 p. ISBN 0-8065-1237-7.
  • Thomson, David (2002). The New Biographical Dictionary of Film (4th ed.). New York: A.A. Knopf. ISBN 0-375-41128-3.
  • Jeffrey Zacks (2014). Flicker: Your Brain on Movies. Oxford University Press. ISBN 978-0-19-998287-5.
  • Allmovie – Information on films: actors, directors, biographies, reviews, cast and production credits, box office sales, and other movie data.
  • Film Site – Reviews of classic films
  • Movies at Curlie
  • Rottentomatoes.com – Movie reviews, previews, forums, photos, cast info, and more.
  • IMDbThe Internet Movie Database – Information on current and historical films and cast listings (archived 22 January 1997)

延伸阅读Further Reading(更新中)

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电影理论

多媒体理论

媒体格式理论

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音频音效相关-制作音乐 Production Music

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